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sábado, 22 de noviembre de 2014

Odiosa comparación (6)

No es fácil que una canción en latín sea un éxito de la música popular, sin embargo hay dos ejemplos destacados. En 1968, los vascos de Mocedades lo lograron con su versión de Pange lingua en España. Más tarde, en 1972, Steeleye Span colocaron la suya de Gaudete entre los top del Reino Unido, con la dificultad añadida de hacerlo a capela. Sí, son cantos religiosos, pero eso es lo de menos. Apreciemos la música y recordemos el latín de vez en cuando, que todavía vive en muchas expresiones.

Aquí Mocedades:


Aquí Steeleye Span:


Ambas son versiones más recientes y grabadas en concierto. A ver cuál gusta más.

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Hace tres años en el blog: ¿Existe el método moral?
Hace cinco años en el blog: El secuestro del Alakrana.
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jueves, 9 de octubre de 2014

Ttakun ttakun, una música para siempre.


Hace treinta y cinco años la nueva música vasca estaba vibrante. La originalidad de los músicos no parecía tener límite. El sello Guimbarda recopilaba el folk mundial y español, pero no abarcó al vasco, que creó el suyo propio, Xoxoa. Recientes estaban los emblemáticos discos de Mikel Laboa (Bat-Hiru) con su mezcla de tradición y modernidad tanto en la música como en los temas y de Benito Lertxundi (Zuberoa-Askatasunaren semeei), flirteando con la música celta y llevando el preciosismo de la canción vasca hasta niveles nunca alcanzados, entre otros muchos que pululaban en el ambiente difícil de aquella época de transición en todos los sentidos.

Txomin Artola estaba en este grupo. Ya nos había sumergido en el mundo marinero y de arrantzales con su primer disco Olaxta. En un disco posterior, con el grupo Haizea quería darle a la música vasca unos aires a lo último de Pentangle, o eso les parecía a mis oídos. Su siguiente disco, Belar hostoak (Hojas de hierba) fue uno de los más celebrados por los críticos: acompañado por músicos del grupo de rock Errobi nos brindó unas canciones que musicaban poemas de Walt Whitman y en donde se mezclaban folk, rock y jazz con su voz cálida y envolvente y nos dejaba sumergidos en un mundo vasco-americano-universal. ¿Qué podía venir después? Sus adeptos hacíamos cábalas con las cotas a las que llegaría en su siguiente disco. Cuando salió fuimos a comprarlo sin más información que su autoría. La sorpresa fue mayúscula: en Ttakun Ttakun no había una búsqueda de nuevas músicas, estilos, temas o instrumentos. No había una explosión que abriera la canción vasca a nuevos lenguajes. El disco era todo lo contrario: una introspección y una intimidad absolutas. Meses antes había muerto prematuramente el poeta Gotzon Aleman y este disco era su homenaje hecho por su amigo.

Las letras son poemas autobiográficos de Gotzon y hablan de la infancia, adolescencia y juventud del poeta; apenas llega a un punto de madurez, pero ya están presentes el aprendizaje, el amor, la búsqueda y la pérdida. Musicalmente es de lo mejor que ha producido la canción vasca. La voz de Txomin Artola, un violonchelo omnipresente que hace intemporales todas las canciones, acompañado de una guitarra. Alternando aquí y allá, una percusión, una flauta, una armónica o un xilófono. Se completa con la voz del propio poeta recitando un par de poesías suyas con un fondo de txalaparta (la voz ttakun ttakun es usada en un poema onomatopéyico dedicado a este instrumento). Poco después de grabarlo, Txomin Artola estuvo cinco años sin dejarse ver por la escena musical vasca. Tal es el sentimiento que se dejó en esta joya de disco.
bilatze infinitoa haiz
itxasorik gabeko ibaia
lurrik gabeko euria
egunik gabeko argia
heriotzarik gabeko heriotza eternua 
(eres búsqueda infinita
río sin mar
lluvia sin tierra
luz sin día
eterna agonía sin muerte)
Podéis escucharlo aquí, pero con cuidado, estad seguros de que vuestro estado de ánimo acepta tanto recogimiento.

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Hace tres años en el blog: Farewell, Bert Jansch.
Hace cinco años en el blog: In memoriam.
Y también: La ciencia española no necesita tijeras.
Y también: La historia más lúdica jamás contada (8). Una noche en la ópera.
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jueves, 20 de febrero de 2014

El agua en tus cabellos

Recordando a Antonio Machado, un poema suyo cantado por Hilario Camacho.



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Hace tres años en el blog: ¿Democracia en el mundo árabe?
Hace cinco años en el blog: Contra el monopolio intelectual.
También: La Tierra y sus dominios o "La historia más grande jamás contada" (5).
También: La Tierra y sus dominios o "La historia más grande jamás contada" (6).
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lunes, 29 de julio de 2013

J.J. Cale


Cuando era estudiante en la Universidad y me ganaba unos dineros dando clases particulares comencé a gastarme una pequeña fortuna (todo es relativo) en discos. La mayor fuente de información eran algunos programas de radio y, sobre todo, el boca a boca entre amigos con inquietudes musicales. En aquellos momentos prevalecía el rock sinfónico y se dejaban asomar los cantautores y algo de música folk de la mano, sobre todo, de las reivindicaciones de las nuevas canciones vasca, catalana y gallega. De la música clásica y el jazz uno podía documentarse fácilmente. Pero había más músicas, uno lo presentía y lo buscaba. A veces iba a una tienda de discos de confianza y le pedía consejo al dueño. A veces pedía a una de mis hermanas que buscaran algo también de esa manera.

En una de estas compras a ciegas fraternales me llegó uno de los discos revelación de esa mi época de aprendizaje musical. El cantante y guitarrista, hasta entonces desconocido, se convirtió en uno de mis favoritos. Durante mucho tiempo sus ritmos suaves, su estilo tranquilo mezcla de rock, folk, country y cantautor, su instrumentación llena de colorido y matices y sus letras me evocaban un mundo lejano en el espacio y en el tiempo. Años después puede vivir algunas de esas evocaciones conduciendo por carreteras entre desiertos, visitando ciudades dentro de cañones con todos los tonos del ocre en Arizona o viendo los atardeceres en Sedona.

En uno de esos viajes conducía solo entre Phoenix y Tucson, cuando todavía esas ciudades no habían crecido tanto y la autopista estaba casi desierta. Hacía calor, pero el cielo se estaba preparando para una tormenta eléctrica. Según me iba acercando al Picacho, una de las pocas elevaciones en esa parte del desierto, veía cómo las nubes lo iban rodeando y en pocos momentos comenzaban a descargar sobre él decenas de rayos. Era difícil sustraerse a la idea de que realizaban un ataque planeado a la montaña. Durante unos cuantos minutos no pude dejar de mirar el espectáculo, una de las imágenes de paisajes que más me ha impactado en la vida. En la radio sonaba la música de aquel disco que me compró mi hermana: Really, de J.J. Cale.

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Hace tres años en el blog: Todos los científicos están equivocados menos Antonio RP.
Y también: La verdad sea dicha.
Y también: Fair Play.
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viernes, 12 de octubre de 2012

La mala reputación

Pues eso. Un clásico:



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Hace tres años en el blog: La Teoría de los Juegos. La historia más lúdica jamás contada. Parte 8: Una noche en la ópera.
Y también: La Teoría de los Juegos. La historia más lúdica jamás contada. Parte 9: Adam Smith frente a Hobbes.
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viernes, 31 de agosto de 2012

Luna azul


Corre la noticia de que esta luna llena de hoy es una luna azul. Del inglés antiguo "belewe" que dio lugar a "blue" (azul), pero que también significaba "traidor". ¿Por qué una luna traidora?

Entre dos lunas llenas pasan 29 días (en realidad la media se acerca más a 29,5), así que en un año tendremos normalmente 12 ciclos completos y nos sobrarán entre 11 y 12 días. Cada 3 años (algo menos) se acumulará un ciclo y tendremos un año con 13 lunas llenas. La primera ocurrirá muy temprano en enero y la última tarde en diciembre. Un año solar con 13 lunas llenas es un problema para los calendarios lunares, por los que se rigen muchas fiestas religiosas que tienen que acomodar este fenómeno. En algunos lugares esta luna se llamó traidora. Ahora se la llama azul en los países anglosajones, desde los que nos ha llegado recientemente esta nota de atención astronómica.

La luna azul o traidora será alguna de las 13 del año. Cuál de ellas sea en concreto, dependerá de algunas arbitrariedades. Lo importante es que la referencia a una luna especial pasó de ser una de las de un año con 13 plenilunios, a una de las de una estación con 4 y a una de las de un mes con 2. Esto último es lo que nos toca hoy, la segunda luna llena del mes, que es la que recibe el nombre de azul.

Os dejo con las dos lunas azules más famosas de la historia de la música.

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Hace tres años en el blog: La calidad bien entendida.
Y también: Al monte se va con botas: La paradoja de Hempel.
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viernes, 13 de abril de 2012

Cosas de Savater


Ayer, Fernando Savater nos escribía un interesante artículo con sus reflexiones sobre la música de Bach, concretamente, su Pasión Según San Juan. A mitad del artículo nos suelta esta prenda:
"Gracias a la industria discográfica, que por el momento en el terreno de la música clásica todavía perdura pese al acoso de la piratería canallesca, contamos con muchas grabaciones excelentes."
Por el mismo precio podía haber dicho:
"Gracias a la industria discográfica, que no desaparece como pretendían los agoreros contrarios a la libertad de la copia privada, contamos con muchas grabaciones excelentes."
Es tan coherente con el dato que nos muestra y más ajustado a toda la realidad que nos dice que en estos tiempos de copia privada el número de grabaciones no ha descendido.

jueves, 6 de octubre de 2011

Farewell, Bert Jansch

Ya sé que hay otras muertes, pero a mí la que me duele hoy es la de Bert Jansch, uno de los mejores guitarristas que en el mundo han sido. Solo, en dúo con John Renbourn, en el grupo Pentangle o, más recientemente, acompañado de algún artista amigo, nos ha legado una cantidad ingente de música y estilos. Casi siempre folk, a veces con virtuosismos barrocos, a veces sencillas adaptaciones de temas tradicionales, composiciones propias, baladas, fusiones con jazz, blues, qué sé yo. Mejor callarse y escuchar, y comprender por qué la muerte de un músico que le ha acompañado a uno en tantos momentos puede doler más que la muerte de tu escritor favorito.

Aquí el folk barroco con John Renbourn:



Lo que hacía con Pentangle cuando cantaba él...



... o acompañando a la maravillosa voz de Jacqui McShee:



Un tema de su último disco:

domingo, 5 de diciembre de 2010

Xabier Lete



Xabier Lete ha fallecido. Dos años después de Mikel Laboa. Las dos voces más auténticas de la nueva canción vasca. Si Mikel se dedicaba, sobre todo, a cantar las canciones de los demás, Xabier Lete escribía para todos. Era, hasta ayer, el poeta vivo más importante en lengua vasca.

Sin una gran voz y sin alardes musicales consiguió hacer una de las mejores canciones vascas, dedicada a otro poeta, el bertsolari Xalbador. Como él, vivió para enriquecer la cultura y, como él, murió sin querer molestar, sin querer interrumpir a nadie las ganas de vivir. Esta versión de Erramun le llega a uno hasta el tuétano.

(Aquí está la traducción)

Otra de sus letras famosas es el poema cosmológico Izarren Hautsa (polvo de estrellas) que cantó él mismo, pero también el propio Mikel Laboa y hasta un grupo de rock.



Siempre me quedaré con una máxima de sus canciones-poemas:

Itsasoan urak handi dire
murgildu nahi dutenentzat

(Las aguas del mar son profundas
para los que quieren sumergirse)

martes, 25 de mayo de 2010

¿Cocinar o no cocinar a Jesucristo?

Previa a la cuestión del cocinado, está la del ser comido. Los cristianos católicos y los ortodoxos opinan que sí, que es buena idea comerse a Jesucristo. Entre los protestantes hay división de opiniones, algunos están a favor, aunque no hablan de transubstanciación sino de consubstanciación, otros opinan solo que hay algún tipo de presencia en la oblea y en el vino.

Javier Krahe hizo hace muchos años ya un vídeo en el que, jugando con esta ceremonia caníbal y con la idea también sostenida por los cristianos de que Jesucristo resucitó después de muerto, cocinaba un crucifijo que al tercer día debería salir él solo del horno.

Krahe no allanó moradas, no le metió el dedo en el ojo a nadie, no obligó a nadie a ver u oír su sátira, … solo hizo este vídeo que se emitió en una televisión varios años más tarde.

Ahora unos muy susceptibles apelan a una ley ambigua que la jurisprudencia nunca ha usado para ver si logran poner palos en las ruedas de la libertad de expresión y hacer nuestra sociedad un poco más medieval.

Si conocéis a Javier Krahe, qué os voy a decir. Si no lo conocéis, empezad por un clásico y no paréis:

martes, 9 de marzo de 2010

En el sentido más laudatorio del término



El idioma: La lengua gallega, hija del latín, hermana del castellano y madre del portugués.

El autor de la letra: Álvaro Cunqueiro, el mejor escritor español del siglo 20, exagerando muy, muy poco.

El autor de la música: Luis Emilio Batallán, el cantautor gallego que sorprendió a todo el mundo con su disco "Aí vén o maio" en 1975, aún hoy uno de los más celebrados de la canción gallega. Aquí está su versión original, y aquí una más reciente.

La versión: Milladoiro, el más internacional de los grupos gallegos.

La voz: Laura Amado, a cuyo lado palidecen otras mucho más famosas. Si no, comparad con esta otra versión.

La letra (traducida):

A pomba dourada

En el nido nuevo del viento hay una paloma dorada.

Quién pudiera enamorarla, amigo mío.

Canta a la luz de la luna y al amanecer en flauta de verde olivo.

Tiene aires de flor reciente, cosas de recién casada.

También tiene sombra de sombra y andar primero de río.

En esta otra versión se acompañan de Cristina Pato, la mejor gaitera del mundo, y se oye con mejor sonido.

Gallego, en el sentido más laudatorio del término.

martes, 10 de noviembre de 2009

El Rey Carmesí


Comienza suave, un aire triste, un gran ejemplo de composición, en un órgano mellotrón, acompaña una batería apenas acariciada, el bajo envolverá el tema hasta el final, se une una guitarra. En el minuto 1:30 comienza la balada, de esas que solo los mejores grupos de rock saben hacer, sublime y melancólica. Aparece el saxo. El tono va subiendo poco a poco, muy despacio. Hacia el minuto 4:30 comienza una locura. Progresivamente, las guitarras van perdiendo toda cordura, la batería vive en su propio mundo, mientras el bajo distorsionado marca el ritmo, siempre 13/8, la guitarra de Fripp, en contraposición, toca únicamente dos notas. El resultado es maravillosamente insano, incluso para los estándares de los grupos heavy metal más enloquecidos En el minuto 9:00 vuelve el saxo para poner orden. El rock es tan bueno que se convierte en jazz, siempre manteniendo el estado de frenesí. Varias veces parece que el tema se va a resolver, pero siempre hay una nueva continuación. La tensión acumulada es enorme, el oyente se pregunta dónde está el final, que nunca llega. Todo se resuelve en una gran catarsis liberadora, con un clímax en varias partes que retoma el tema del comienzo y que le deja a uno con todo el cuerpo temblando. Es Starless, la mejor pieza del rock progresivo de King Crimson .

(Escúchese en un buen equipo con buenos altavoces para bajos).

domingo, 16 de agosto de 2009

Lo confieso: soy un incredible


En mi perfil se puede ver, entre mi música favorita, al grupo The Incredible String Band. Sobre ellos se pueden decir muchas cosas:

-Fueron un grupo Folk escocés que tocaron y grabaron desde medidos de los sesenta a mediados de los setenta. Recientemente se han juntado ocasionalmente para dar algunos conciertos. Tuve la suerte de poder verlos en el Forum de Barcelona.

-Fueron los pioneros de la psicodelia, con Jefferson Airplane, Gratetful Dead y demás familia. Son, todavía hoy, un grupo de culto.

-Fueron los pioneros en esto que hoy se llama “músicas del mundo”.

-Fueron seguidos y celebrados por los Beatles, los Rolling Stone, Bob Dylan, Led Zeppelín y muchos más. Robin Williamson, uno de los dos pilares de la banda, decía que tanto los Beatles como los Rolling solían ir a verlos tocar antes de grabar sus celebérrimos Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Their Satanic Majesties Request, trabajos que llevan su influencia.

-Participaron en Woodstock, aunque con mala suerte, por la lluvia:


-Sus canciones abarcan mutitud de estilos: Folk, desde luego, casi siempre con composiciones propias, pero también reggae, calipso, espirituales, himnos, música mediterránea, rusa, del medio y del lejano oriente, … blues, bluegrass, alguna incursión al jazz, al rock…

-Los instrumentos son todos los imaginables. Guitarras acústicas y eléctricas, pianos clásicos, eléctricos, hardiscopios y hasta órganos de iglesia, flautas y clarinetes, violines, trompetas, instrumentos exóticos orientales, incluido el sitar, percusiones todas. Cada canción usa unos pocos, pero en cada disco se cuentan por decenas los timbres sonoros distintos que se oyen.

-Las estructuras de las canciones son de todo tipo. La típica canción con estribillo, pero también las suites que van hilando varias melodías en la misma canción y las composiciones que duran toda una cara de un disco, y los juegos de voces, y los juegos instrumentales, cantos a cappella, coros,.... Una canción puede empezar con estilo oriental para pasar a una jiga celta, seguir en plan rock y acabar como un juego infantil. O puede comenzar metiéndote en el ambiente entre las olas del mar Egeo de la antigua Grecia para acabar con una apoteosis orquestal de película.



-Sus temas abarcan todos los imaginables: Canciones sobre una bailarina y un marinero, sobre una nube, sobre una caja de pinturas que tengo en la mente y con la que pinto tus colores, sobre un niño con demasiada imaginación, sobre una versión personal de la creación, sobre un malabarista que juega con las bolas de la sustancia, el espacio, el poder y el tiempo, sobre el tiempo, sobre las cosas que se ríen de uno cuando uno no las mira, sobre el emperador de China que calzaba zapatos de hierro y cuya hija bien podría ofrecerte agua, sobre el agua, sobre una ameba, sobre la muerte, sobre Ithkos, un mercader griego que deja en la orilla a su amada Hipolita, sobre el minotauro, sobre las brujas, sobre unos soldados que juegan a las cartas en el tren en medio de una adivinanza, sobre las imágenes en el espejo, sobre Jack Black Davy que vivía en el bosque y que consiguió llevarse a la espesura a su amada y cuyo padre los persiguió día y noche sin encontrarlos, a pesar de los gritos y risas de los dos amantes que se oían entre los árboles, sobre un árbol que tenía de niño, sobre un hombre ya mayor en el futuro que explica cómo fueron los años sesenta, antes de que Inglaterra se fuera a Paraguay, sobre la primera mujer que amé, sobre el sombrerero loco, sobre una oruga, sobre la evolución, sobre Adán y Eva, sobre el actor que deja el escenario con una rosa en la mano y se sienta en una butaca de la última fila, sobre mi padre, que era guardián de un faro, sobre un viejo bucanero que tenía tatuajes azules, que perdió a su amada a manos de un embaucador y que acabó siendo rey en la isla de los caníbales, sobre el explorador que necesita alguien que le releve en el timón y le ayude a navegar por las noches, sobre los que murieron a ambos lados de la violencia en Irlanda del Norte, …

-Toda su música está hecha con cuidado, con buen rollo y con buen humor. Incluso en una época en que estuvieron metidos en la cienciología se abstuvieron de llevar esos sus rollos personales a sus álbumes (algo que Chick Corea o Bob Dylan, por ejemplo, no supieron evitar).

-Si a un racionalista y positivista como el que suscribe hay algo que pueda hacerle creer en las buenas vibraciones, esta es la música de la Incredible.

-Grabaron catorce discos. Por libre, Mike Heron y Robin Williamson (el alma de la Incredible) tuvieron mucha vida fuera de la banda. En particular, Robin Williamson ha grabado recientemente unos discos con el exquisito sello ECM. De la primera época (con el sello Electra) recomiendo “The Hangman’s Beautiful Daughter”, “Wee Tam” y “The Big Huge”. De su segunda época (con el sello Island) recomiendo “Liquid Acrobat As Regards The Air”, “Earthspan” y “Hard Rope and Silken Twine”. Las dos épocas son bastante distintas entre sí. Sus seguidores suelen preferir la primera, más original. A mí me gustan las dos por igual. La segunda época tiene cosas muy bien elaboradas y están llenas de mil matices musicales. La primera suena más espontánea, atrevida e ingenua. Ambas son deliciosamente adictivas. Desde que empecé a oírlos hace treinta años no he pasado nunca mucho tiempo sin oír alguna de sus canciones.


domingo, 26 de abril de 2009

El Amor Fati y la Libertad

Acabo de aprender a subir vídeos al blog, así que aprovecho para poner un paréntesis en la serie de las últimas entradas y hacer un homenaje a Mikel Laboa, uno de mis cantantes preferidos.

Murió hace pocos meses. Todo el espectro social, cultural y político vasco lamentó su pérdida. Con todo, creo que en el País Vasco, aun siendo apreciado, no se valoró suficientemente su aportación a la cultura. Representó, desde los años de la represión fanquista, una de las voces más audaces e innovadoras de la canción vasca. Puso música e interpretó letras populares, de poetas de la literatura internacional y de los más vanguardistas del País Vasco. Ahí estaban Bertolt Brecht, Bernardo Atxaga y J.A. Arze, entre muchos otros. Con este último, Mikel Laboa introdujo unos temas que eran verdaderos haikus cantados. En una serie de canciones, conocida como "Lekeitioak" (Lekeitios), su calidad interpretativa llegaba a su más alto grado de originalidad. Mezclando palabras, simulaciones de palabras y todo tipo de sonidos, lograba una expresividad que te ponía los pelos de punta. No son fáciles de escuchar, pero cuando te metes en ellos, es como asistir a una representación teatral donde todo es puro sentimiento. Uno de sus más famosos es "Gernika". Con su voz y su guitarra fue capaz de transmitir todo el horror de la guerra simbolizado en el bombardeo de la villa en quince minutos imposibles de olvidar. Este tema ha sido base de documentales y películas y ha sido cantado por el Orfeón Donostiarra. Su último concierto fue en Donostia, donde fue telonero de Bob Dylan.

No os voy a hacer sufrir, os pongo aquí dos temas sencillos y hermosos. El primero es un canto al Amor Fati y se extendió como un himno a la libertad por todo el País Vasco.



Si le hubiera cortado la alas habría sido mío
no habría huido,
pero así
habría dejado de ser pájaro
y yo
amaba el pájaro.



Toma una flor
y, pétalo a pétalo,
la desnudas,
y ella también
te sueña
y te desnuda,
y, pétalo a pétalo,
toma una flor.

Mikel, nire gogoan eta nire ahoan betiko.